Mostra Cena Breve Curitiba

Circulação

2011-10-27T10:06:00.010-02:00

Otavio Linhares e Janaina Matter na cena da Súbita
Foto: Lidia Ueta

Por CiaSenhas

Esta 7ª Mostra Cena Breve – A Linguagem dos Grupos de Teatro entra hoje na etapa de Circulação de quatro cenas pelos municípios de Araucária, Lapa, Paranaguá e União da Vitória.

São elas: Meus Olhos Estão Degringolando, da Súbita Companhia de Teatro, de Curitiba; Quintal, da Casca de Nós Companhia de Teatro, de Belo Horizonte; Encostei Minha Angústia no Sol, do Grupo Teatro de Geada, de Curitiba; e Sophia Loren Não É Marlon Brando, da também curitibana Companhia Subjétil.

A votação do público, ao final de cada sessão, e a percepção dos debatedores conformam a escolha das quatro cenas que vão circular entre aquelas 16 apresentadas. Algumas produções bem recebidas não tinham disponibilidade para cumprir a agenda noturna na itinerância de hoje a domingo. Caso de Compra de Personagem – Segunda Ação de Classificados, pelo Núcleo Cães Lacrimosos, de Curitiba, e de As Rosas no Jardim de Zula, pela Zula Companhia de Teatro, de Belo Horizonte – ambas entre as mais admiradas este ano.

Pois vamos à Circulação e à nossa primeira experiência em miniturnê com quatro cenas por quatro noites em quatro cidades distintas do Paraná. Na penúltima edição, a Mostra chegou a ter um braço em Araucária. E agora esticamos mais três pernas. Mãos às obras e pé na estrada de corpo inteiro!

Jornada cena a cena adentro

2011-10-26T13:00:00.009-02:00

Por Valmir Santos

Em seus sete anos, a Mostra Cena Breve Curitiba - A Linguagem dos Grupos de Teatro construiu um diálogo efetivo com os criadores das artes cênicas mobilizados pela vontade de pesquisa. Todos os núcleos locais inscritos nesta edição, testemunhamos, não participam por tabela. Idem para os trabalhos vindos de outras paragens. Cada um encerra a sua singularidade e argumenta com muita convicção as proposições estéticas e conceituais abraçadas. Melhor: sem perder a capacidade de escutar e enfrentar contradições até mesmo para assumi-las.

Outro aspecto relevante é o da recepção: o público não é formado apenas por aqueles vinculados aos criadores, despertados naturalmente pelas pesquisas cênicas, mas também pelo cidadão comum instigado a fruir o teatro com mais curiosidade. O espaço para a reflexão na roda de debates, a cada manhã seguinte, ou os escritos partilhados neste blog são instâncias abertas de afirmação da troca de percepções entre os artistas, os organizadores e, sobretudo, os espectadores no encontro ao vivo.

Particularmente, sublinho o privilégio da convivência com as sensibilidades da figurinista Amábilis de Jesus, da atriz e dramaturga Lucienne Guedes e do dramaturgo, diretor e performador Fernando Villar, todos eles pedagogos cúmplices e militantes. Simbiose assim só vem com atitudes artísticas e políticas que não faltam à CiaSenhas. Evoé!

A terceirização da cena

2011-10-26T11:34:00.009-02:00

Dois "auxiliares de personagem" e Massa com jornal
Foto: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

Quer em projetos paralelos quer a bordo do coletivo Rimini Protokoll, o suíço Stefan Kaegi tem disseminado, desde a década passada, a incorporação de não-atores em seus trabalhos – performances ou intervenções ao ar livre ou convertidas para o palco. Motoristas de caminhão, ex-policiais, funcionários aposentados da ferrovia, porteiros, enfim, uma galeria diversa já protagonizou suas criações. O núcleo Cães Lacrimosos nos faz lembrar alguns procedimentos daquele europeu em Compra de Personagem - Segunda Ação de Classificados. Profissionais de venda, treinamento pessoal, domésticas e estagiários são chamados por anúncios em jornais para listar atividades a um hipotético “artista impossibilitado de criar” ou mesmo dividir a cena com ele.

O “contrato” parece claro, delimita as atividades a 50 linhas, paga R$ 70,00 por cada lista e propõe um roteiro para vir a público no Novelas Curitibanas e contracenar com Clovis Cunha, à guisa de mestre de cerimônia dos anônimos na ribalta, devidamente recolhido na coxia na maior parte do tempo.

Ao contrário da cena elaborada em 2010, Se Conselho Fosse Bom Seria Ação de Classificados, na qual consistia em consolar o contratante que levou um fora amoroso, material registado em vídeo e integrado depois à narrativa de fundo melodramática, aqui a proposta radica em transferir o máximo possível a mediação com o público para os profissionais que responderam aos anúncios – foram dezenas. O “durante” é feito do que o precedeu: a atitude do coletivo em dar passagem ao desconhecido sob risco de naufragar.

O resultado ao vivo tensiona um roteiro que pode ser subvertido a qualquer momento na representação que não o é no instante em que os “auxiliares de personagem” estão alinhados ou sozinhos sob os refletores, atrás de microfones. Suas vozes e posturas corporais são comuns, transportadas como um documento dos seus cotidianos. Aparentemente, os três homens posicionam-se à vontade. Cada em sua vez toca gaita, exibe fotografias de sua rotina e propaga os benefícios de se plantar um pinheiro (uma araucária típica paranaense?). As marcações de entrar, sair, postar-se sob o luz, enfim, tudo isso eles fazem e demonstram que ensaiaram minimamente.

Em sua terceirização ou paródia de, Compra de Personagem cumpre o enunciado a que se propõe pelo inusitado da ação que convoca artistas e público a mirar o ato criativo de outro lugar.

O terceiro "auxiliar" rememora imagens cotidianas
Foto: Elenize Dezgeniski

As armadilhas da farsa

2011-10-26T10:23:00.009-02:00

Atores da Companhia Visceral em Realidades Irreais
Foto: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

A investigação da comicidade popular num encontro tomado por anseios formais e reticentes a gêneros seria uma distinção e tanta na última noite da Mostra Cena Breve. Os recursos da farsa identificados no início de Realidades Irreais, porém, logo se revelam frágeis, a despeito do projeto de pesquisa informado pela Companhia Visceral.

O sexteto de atores é aguerrido nos tipos que abraça, pisa o espaço cênico a tentar nos convencer da arquitetura visível e invisível do sobrado posto à venda e alvo de todo o quiprocó. E as intenções artísticas não se concretizam. São risíveis, isto sim, a impossibilidade de se visualizar subidas e descidas de escada, o plano do andar de cima, a maneira um tanto atabalhoada como os personagens transitam. Na farsa, é natural que as atuações tangenciem a caricatura. Um meio, não um fim em si mesmo. Eis o limite.

Estamos diante de um exercício de formação com suas potencialidades plenas. As artimanhas sugeridas no texto não se instalam nas interpretações e nem nas soluções de espacialidade apresentadas. A continuidade da pesquisa pode lapidar esse processo.

O autor e diretor Alexandro Tenório é dos mais proeminentes tradutores e diretores do teatro realista inglês e suas gradações. Já montou muitos Harold Pinter em São Paulo e mais recentemente Jon Fosse, David Harrower e Alan Ayckbourn. Curioso e positivo encontrá-lo ao lado desse núcleo de jovens experimentando camadas outras em dramaturgia e atuação.

Em nome de Machado e Brecht

2011-10-24T12:32:00.005-02:00

Atores da Pausa na incursão machado-brechtiana
Foto: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

A Pausa Companhia vai a Machado de Assis com causa. Põe em relevo uma crônica de 1895, na qual o escritor interpreta com sua pena um crime brutal, o assassinato de uma bebê pelos pais em terras gaúchas. Sob os códigos do niilismo, o autor questiona a humanidade e sua vocação atávica para gerar dramas como esse. Tudo, é claro, com seu estilo corrosivo e bem-humorado. E o núcleo artístico o reinterpreta neste 2011 em conformidade com procedimentos brechtianos, a narrativa épica que permite ao público distinguir diagnósticos e sintomas de seu tempo.

Autor de Si Mesmo adota um sistema despojado para a cena. Valoriza o plano das ideias sem empolá-las. Ao contrário, a retórica do narrador poderia soa pernóstica, porque este é encarnado machadianamente à maneira do filósofo Arthur Schopenhauer. No entanto, o raciocínio é ilustrado a contento.

Um retroprojetor exibe balõezinhos de historias em quadrinhos no enredo que retrocede ao namoro dos pais e ao bebê vaticinando seu futuro antes mesmo da barriga. A citação à obra-prima do pensador alemão, O Mundo Como Vontade e Representação, corrobora a estratégia dessa criação coletiva ao problematizar a cena sem abusar do didatismo.

Se a direção é articulada em muitos aspectos, falta ao conjunto dos intérpretes uma sofisticação correspondente no trabalho corporal, inclusive para adensar o timming físico do sarcasmo. De qualquer modo, a Pausa instiga o interlocutor sem abrir mão da inteligência, a mesma que pressupõe o arrojo de cohabitar as artes de Machado e Brecht. Não é pouco.

Olhos d'água

2011-10-24T11:07:00.008-02:00

Francis Severino e João Filho, Joaquim e Pedro
Fotos: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

Quintal, da Casca de Nós Companhia de Teatro, são duas crianças, a "velha" e a "nova", corresponsáveis por elas mesmas e cocriadores do reino da invenção que lhes permite dobrar a realidade. Dois meninos em busca de um pai que se foi. A esperança de sua volta é o que sustenta o realismo fantástico do mundo que eles carregam por meio de suas roupas, a lata d’água, as bolinhas. Do início ao fim, o espaço nu ganha composições por meio das mãos da dupla que o constrói ou o desmancha. Na primeira sessão no Novelas Curitibanas, as janelas abertas vazam a luz do dia, árvores e prédios. Os atores adentram, fecham as esquadrias e o escuro concorre com os primeiros fiapos luminosos da cena.

Estamos pisando um universo pequeno, que cabe na ponta de uma agulha, como informa a imagem inicial da dramaturgia banhada em lirismo rapsódico, aquele que mistura vozes narradoras e diálogos no transcorrer da ação, trazendo ecos da infância nos contos e romances de Guimarães Rosa em que a brincadeira com ossos animais simbolizam as formas da imaginação resistir e erguer beleza diante do precário. Mas quem ocupa a terceira margem do rio aqui é a poesia de Manoel de Barros, inspiração mor.

A direção de Joaquim Elias dá conta de apresentar percursos e paisagens do texto depositando tudo na presença dos atores, no corpo transportador dos sonhos, das fantasias e das dores. Nas atuações de Francis Severino e João Filho, este também o dramaturgo, enxergamos a beira do rio e somos cúmplices do caçula no sequestro da água a ser punido pelo pai do céu e da terra, como provoca em momento de descontração o primogênito, um ser que cuida e roga ser cuidado numa oração. O pendor cristão é insinuado na relação culpa/pecado, mas não se sobrepõe ao sagrado em sua dimensão mais essencial, despida do dogma.

O ato de correr em círculo sugere a temporalidade que também está contida na palavra. Um texto sobre o abandono e cuja extração poética aponta o diagnóstico contundente sobre a ausência dos adultos, um tema urgente nas sociedades contemporâneas ao questionar o que elas estão fazendo com suas crianças.

Os atores da Casca de Nós
Foto: Elenize Dezgeniski

Observação: texto reescrito a partir das impressões anotadas na apresentação de Quintal, em junho de 2011, no âmbito do 12º Festival Cenas Curtas organizado pelo Galpão Cine Horto em Belo Horizonte.

Plasticidades

2011-10-24T09:34:00.012-02:00

Henrique Saidel desmascara o olhar pornográfico
Foto: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

Uma entrevista pornográfica de José Luiz Datena com a atriz Cicciolina, em 1990, abre a cena que plasma em vídeo os artifícios da sedução mercantil. Na manobra de massa televisiva que já adiantava o caráter do apresentador que hoje toma de assalto as tardes brasileiras. E na pele da estrela pornô convidada a mostrar o seio “com exclusividade” para a câmera da emissora, closes generosos também nos olhos postiços e na boca. A Companhia Silenciosa traz esse arquivo à tona para estilizar politicamente o corpo como objeto de mercadoria. O rosto decalcado da sociedade e do cidadão multifacetado pela cosmética, no que só pode soar irônica a declaração de Cicciolina de apostar mais em beleza interior.

Depois de tantos impropérios em pouco mais de três minutos de projeção em vídeo, a ação abdica da palavra e passa a se exprimir somente por imagens construídas ao vivo. Henrique Saidel é a figura que corporifica a hipertrofia do desejo na pele de borracha verde que o reveste dos pés ao coro cabeludo – uma boa ideia para a indústria do látex usar em propaganda de camisinha.

A movimentação é cerimoniosa e flerta com incógnitas. É do ventre de um peixe natural, simbolizado como falo, que sai uma máscara. Na palma da mão do homem-bile, essas vísceras lembram o impacto de Narciso diante do espelho d´água. O gesto detona o desmascaramento: uma, duas, três camadas... E o coro recém-introduzido também desfila seus rostos neutralizados e homogeneizados pela epiderme da dissimulação. Uma esfinge coral anestesiada que descartará a figura agora nua.

Cicciolina’s Breakfast é um exercício derivado da linha de pesquisa híbrida da Silenciosa, seu pé firme nas artes visuais e a disposição incondicional para confrontar temas tabus com riscos formais igualmente desestabilizadores.

A esfinge coral e a máscara virtual
Foto: Elenize Dezgeniski

Pano para manga

2011-10-24T07:00:00.008-02:00

Hélène e Patrícia como vó e neta
Foto: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

Como brincar com Dostoiévski? A introversão latente na obra do romancista russo ganha uma fresta na saudação que a Companhia Platô Invisível ou .0 faz ao conto Noites Brancas, tornado clássico no cinema por Luchino Visconti nos anos 1950. Trata-se de um triângulo amoroso. O narrador, ser solitário e sonhador, se enamora da adolescente Nastienka que encontra por acaso sobre uma ponte, aos prantos. Ele vai servir de interlocutor para os queixumes amorosos da moça, apaixonada por um inquilino, ávida por outros sentidos àquele mundo que lhe foi apresentada pela avó cega (os livros, o teatro) e ainda pela criada surda que, aqui, ficou de fora.

As atrizes Patricia Saravy e Hélène Reymaeker começam pelo começo: um prólogo com a gênese do encontro casual das duas no Rio de Janeiro, a primeira conhecida dos palcos curitibanos, a segunda vinda da Bélgica. Situam brevemente as regras do jogo (a palavra é bem essa, teatralmente falando) entre o francês, o flamengo, o espanhol e o português que serão escutados doravante. E lançam-se à adaptação para cena curta Dosto Noite, centrada na neta, na avó, no sonhador e no inquilino.

Todos são delineados por peças de figurinos que apóiam a narrativa. Um vestido ou uma calça, por exemplo, trazidos em mãos ou colados aos corpos – não necessariamente trajados – servem como principal suporte fabular. São as roupas que montam e desmontam as ações, um recurso de distanciamento que as atrizes aplicam com habilidade.

A história é condensada com frescor no rodízio de personagens, costurada por canções a capela, descrições convincentes de lugares e pessoas, um livro, uma cadeira. Assume-se deliberadamente o devaneio para tornar presentes os sentimentos atravessados pela moça, sua avó que a influenciou tanto a ser senhora dos seus atos e, sobretudo, pelos homens antagônicos que bifurcam seu destino. As narradoras entram e saem do conto. Quando Nastienka toca a porta no texto, a atriz toca o tablado. Todos os instantes de e da cena estão impregnados do signo do teatro e transportam para a Rússia daquelas páginas com ludismo.

Sinapses

2011-10-23T16:54:00.010-02:00

Giacomini é José e seus duplos
Foto: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

Desde o primeiro segundo a cena solo se organiza cirurgicamente na conjugação do ator com texto, espaço, luz e música. A concomitância de elementos são o sal e a limpeza formal de As Tramoias de José na Cidade Labiríntica. Eduardo Giacomini, também o cenógrafo, faz de uma plataforma de cerca de um metro quadrado o território bambo das memórias que projeta. O texto deambula por reminiscências, como a formação da pólis grega e o pós-guerra; guia-se pelos olhos de Santa Luzia; e por aí vai.

A escrita da diretora Olga Nenevê firma uma tensão dramática existencial ao mesmo tempo em que a retalha entre lacunas reiteradas pelo sujeito, um espécie de Funes borgiano (des)memorioso divagando em torno dos grandes temas da humanidade e daqueles que circunscreveram a sua essência. A desordem e o fracasso pisam as calçadas e o asfalto das cidades urbanas flanando por solidões e medos universais segundo as lentes do narrador assombrado com os descaminhos traçados até ali.

A cena do núcleo Obragem de Teatro e Companhia amealha sínteses em seu acabamento visual que não encontram eco na enunciação de Giacomini. A voz ainda não emana o mesmo tônus corporal por meio do qual não sucumbe ao desequilíbrio de base. Timbres em rouquidão e rugido, quem sabe. Em tudo mais, a sublimação esteta guarda potencial artaudiano, equalizando ambientação sonora com um desespero coronário para flechar o outro a quem dirige seus pensamentos bilíngües assimilados por bons entendedores de meias palavras assim disponíveis, aqui e alhures.

Documento encenado

2011-10-23T15:44:00.019-02:00

Tallita Braga e Andréia Quaresma (fundo)
Foto: Elenize Dezgeniski

Por Valmir Santos

A cena As Rosas no Jardim de Zula é um exemplo da interposição do real com a ficção, um procedimento que é caro ao cinema nacional, principalmente ao documentarista Eduardo Coutinho – ele que, não por acaso, anda às voltas com recursos da teatralidade em seus filmes. A criação coletiva traz à tona a história de uma mulher que exerceu a prostituição. Zula teve várias histórias de amor com suas amigas de trabalho e, certo dia, decidiu se casar com um mecânico e ter filhos, entre eles a atriz Talita Braga, que assume o fundo autobiográfico na dramaturgia coordenada por Sérgio Abritta.

Seguindo o raciocínio a partir da cena, a mãe foi entrevistado pela equipe de criação, conforme declarações na voz em “off” ou nas imagens exibidas no desfecho. Esse estado de ser ou não ser vai descamando durante a apresentação de forma suave, ainda que sua temática seja dura, contundente ao tratar do amor lésbico e sua afirmação – ou seja, a sua perseguição e preconceito nos ambientes e cotidianos de um bordel. Às misérias materiais são costuradas as migalhas afetivas, o terreno da diversidade raramente visitado nas pesquisas sociológicas de campo.

O realismo dominante nas falas, cenários e objetos, como o varal de roupas estendidas e uma faca, e a interpretação na chave da mimese corporal e vocal das personagens vividas por Andréia Quaresma e Talita, essas instâncias chapadas, digamos assim, convivem com uma atmosfera onírica conciliada pelas fotografias projetadas do passado.

Na primeira sessão dentro da Mostra Cena Breve, ambas demonstraram o mesmo registro brejeiro de atuação na estreia da cena cinco meses atrás, em Belo Horizonte. Acanhamento na hora do beijo ou de despir-se para colocar o vestido de noiva, por exemplo. Um “desnudamento” que talvez a própria Talita tenha que fazer quanto a sua filiação nessa corajosa história transposta para palco. Há senões no excesso de condução pela trilha musical, muleta emocional, e na brusquidão de uma sequência à outra. De qualquer modo, as atrizes constroem gestos e tempos que conformam uma poética para os flashes da descoberta do desejo na perspectiva romântica da mulher que atravessou escuridões e em alguns momentos encontrou luz no final do túnel, como relatou. A emoção de lidar é valorizada na cena. A inscrição “universo” na camiseta da Zula real entrevistada em vídeo expressa o tamanho do desafio ao qual a equipe se propôs.

Talita Braga em As Rosas no Jardim de Zula
Foto: Elenize Dezgeniski

Observação: texto reescrito a partir das impressões anotadas na apresentação de As Rosas no Jardim de Zula, em junho de 2011, no âmbito do 12º Festival Cenas Curtas organizado pelo Galpão Cine Horto em Belo Horizonte.

Queimação

2011-10-23T15:07:00.005-02:00

Ciliane Vendruscolo e Patricia Cipriano (alto)
Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

A dramaturgia sempre tateante de Luiz Felipe Leprevost, no sentido táctil mesmo, desenha com cores gris as paisagens de dentro e de fora. Dos lugares, dos corpos, dos seres. Como nas figuras espectrais de Encostei minha angústia no sol. O texto conforma um arquétipo de família disfuncional permeada por incesto, inveja, assassinato. No entanto, a trama não é insinuada de mão beijada. As pistas são lançadas paulatina e principalmente por meio da linguagem textual: as frases que ficam no meio do caminho, precipitam de abismos pessoais sob desconfianças e agressividades.

Pai, mãe e filhas queimam suas memórias e realidades inventadas em torno do episódio em que uma das crias ateou fogo na casa. Esse elemento trágico não se adensa, aparentemente todos estão sob controle. Autocontrole de se saber suspenso no presente que escuta vozes do passado. “Não fale pela minha memória”, diz uma delas.

O autor pactua com o experimento sem perder a chance de arrematar versos entranhados na narrativa, como ao valorizar a fachada lúdica da palavra “gulodice”. Ou radiografar pés e dorso plantando metáforas para quem as lance com convicção. O elenco empenha-se nesse desafio, em particular Patricia Cipriano e sua alta voltagem nas expressões vocal e corporal. Há um momento em que ela chora copiosamente sem transbordamento, esbanjando consciência técnica.

A criação do grupo Teatro da Geada prospecta transformar-se em espetáculo. O trabalho continuado – Débora Vecchi e Ciliane Vendruscolo estavam na montagem anterior, O Butô de Mick Jagger – contribui decisivamente para que os porta-vozes dessas paragens de cena possam se apropriar dos desvios que saem da boca ficcional. Ao diretor Leprevost, resta libertar-se da gramática de atmosferas, despencar mais visceral na presença corpórea como Patricia Cipriano dá notícias. Deixar que os atores também deem seu “texto” pessoal e físico no encontro com a palavra leprevostiana.

Fragmentos do discurso protoamoroso

2011-10-23T08:10:00.010-02:00

Elisa e Ferreira
Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

Certo! captura uma das passagens de Tudo no Timing, a peça do norte-americano David Ives que desembarcou no Brasil em 1999 com o grupo carioca Os Fodidos Privilegiados, em codireção de João Fonseca e Terry O'Relly. É a cena de flerte num café. Noite de sexta-feira. Ela toma chá concentrada no livro que segura. Ele a aborda. A partir desse seminal você-vem-sempre-aqui?, o diálogo fragmenta-se em ires e vires. Talvez seja a cena que mais remete ao título: pede ritmo à dupla de intérpretes para não deixar a peteca cair, inclusive quando contracenam com um garçom tão perto e tão longe que nunca aparece.

A dupla Elisa Carneiro e Luiz Felipe Ferreira possui o frescor juvenil com o pé na vida adulta, o que dá à conversa alguma verossimilhança em seus níveis intelectuais e emocionais, o discurso protoamoroso das intenções igualmente idealizadas e ridículas tal a carta de amor de um Fernando Pessoa. Ou, se se quiser, algo como uma discussão de base sobre os malefícios do amor romântico.

Neste projeto do Teatro Funil, o diretor Fernando Martins marca o aceleramento dos diálogos como se ao ritmo do estalar de dedos. Os atores não aparentam ansiosos na representação física para denotar mudança de registro. As variações são sutis, sem o recurso batido do blecaute, delegando ao público o trabalho de edição. E tudo isso sob o guarda-chuva do humor, também aqui sem que os protagonistas mendiguem a cumplicidade da audiência. A sedução se dá por outros caminhos.

Consonância e separação

2011-10-22T18:05:00.011-02:00

Janaina e Linhares, ela e ele
Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

A Súbita Companhia de Teatro ergue uma cena francamente verborrágica sobre o indizível. A palavra é veemente desde o título: Meus Olhos Estão Degringolando, adaptação da diretora Maíra Lour para texto não informado do romancista americano Jonathan Safren Foer. O verbo também está no coração da vida incomum de um casal sob o mesmo teto, partilhando a mesma máquina de escrever e separados por muros, corredores, demarcações territoriais de “algo” e “nada” equilibrados segundo as convenções desse homem e dessa mulher, por Otavio Linhares e Janaina Matter.

Os signos constitutivos da linguagem os fazem suportar um ao outro. Seria, grosso modo, a evolução de uma história de amor, sua ascensão e queda. A compressão temporal e espacial é feita de falas curtas, numa espiral de exasperação dele, escritor estancado, diante do talento dela ao jorrar e apropriar-se do mesmo ofício. A cena trata dessa perpendicular de duas pessoas desmagnetizadas aos poucos, ampliando as distâncias.

No espaço austero da encenação, linhas e embaraçamentos geográficos traduzem as inquietações em movimentos, gestos e ações dos atores, fluídos e interrompidos. À tessitura da palavra soma-se o vocabulário da luz (sombras narradoras de situações íntimas, por Daniele Régis) e da música como exceção ao silêncio dominante (o acordeão irrompendo com a dolência de Edith de Camargo). Toda separação precipita sua sinfonia.

Da insolência

2011-10-22T16:18:00.010-02:00

Orlandx em Constantinopla, do Heliogábalus

Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

Orlandx em Constantinopla é uma performance que ser quer imponente. Seus aparatos criam um distanciamento radical, a começar pelo invólucro das peles, botas e capacetes ou figurinos-couraças para figuras narcísicas em seus nichos. Um DJ sampleia vozes e sons atrás de algumas plantas. Não consegui desprender ouvidos e visão daquele canto esquerdo, quem sabe porque o único elo de oxigenação que representava. E representação, diga-se, é dela que o Grupo de Investigação Cênica Heliogábalus foge desafiadoramente como o diabo diante da cruz verde de luzinhas no corpete de uma cicerone feminina.

Enquanto isso, três figuras deslizam em carrinhos vaticinando seus ais. A ambiguidade e os impulsos sexuais são sugeridos por meio de objetos e sussurros ao microfone. Despontam projeções borradas na parede de fundo. Uma voz mecânica suplica a “verdade” que para nós, espectadores, tampouco identificamos na cena cercada em suntuosidade na mentira que essa arte também é. Enfim, difícil apreender resquícios do Orlando de Virginia Woolf nessa adaptação dirigida por Ricardo Nolasco: sem poros, sufocante tanto quanto insolente pela fixação em impactar. Hipérbole impenetrável.

Ser e desaparecer

2011-10-22T09:52:00.015-02:00

Buchile e Vanessa seriam Sophia e Brando
Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

Como esses dois rostos e corpos consagrados do cinema sobreviveriam na era da saturação das imagens? Em Sophia Loren Não É Marlon Brando, a Companhia Subjétil coloca as duas épocas em contraste (o presumido glamour dos anos 1950 e 1960 e o pastiche atual). Ser e parecer são os verbos expostos em crise de auto-estima ou em seu excesso. Os biótipos de Vanessa Benke e Lucas Buchile estão longe das silhuetas em pauta. Ótimo ponto de partida.

O texto e a direção de Darlei Fernandes jogam com as contradições da imagem. Suas figuras querem ser vistas, seguem o script nos gestos e vestimentas, na sedução a toda prova. Elas são trazidas para o espaço cênico arrastadas por um homem que faz às vezes de um diretor, seu clichê. É ele quem, afinal, inicia tudo ao adentrar pela janela do teatro, megafone em punho. Redivivos, a Sophia e o Brando de Vanessa e Buchile discursam sobre a consciência de serem eles mesmos ou serem outros. Ela é mais desenvolta nesse trânsito.

Os ícones evocados acabam ratificando o desgaste da reprodutibilidade nos dias atuais. São apêndices na dissertação da Subjétil sobre o imperativo do descartável . O conteúdo desse processo resvala de modo parcial na analogia do aceleramento midiático moldando as relações. A transposição para a cena derrapa no anedótico, engolida justo pela força dos emblemas que elege. A crítica termina em baixo relevo.

Avis rara

2011-10-22T09:38:00.011-02:00

Morales em Penélope Pileada
Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

O Núcleo de Espetacularidades aninha mitologia grega e natureza animal sob as escadarias de ferro da área externa do Novelas Curitibanas. Penélope Pileata conforma as plumas, a postura ereta e o olhar diligente da ave que batiza a cena e é encarnada pelo ator, diretor e autor Límerson Morales em movimentos paradoxalmente lânguidos. É sutil a citação à mulher do guerreiro Ulisses que o espera voltar da guerra com ardente paciência em seu tear, aqui o ateliê da modelo e duplo modernizado por Alexandra Galcerán.

As pistas do texto, antes, parecem dar conta das funções de quem está com a régua, tesoura e o compasso no teatro. Metalinguagem sobre a criação fora do edifício, “presentificação” com afã performático de figuras alinhadas e equidistantes, uma atmosfera etérea sob acompanhamento de um citarista. O instrumento faz o espírito voar longe enquanto corpos e vozes preferem vagar na superfície hermética do ato, deixando seu interlocutor do outro lado da bolha, a despeito de figurinos e narrativa de luz bem cortados.

Logorreia

2011-10-22T08:34:00.009-02:00

Cena de Apple Store...
Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

O império do acaso bem combinado. Na era digital absoluta, o núcleo Expressão Criação captura o aleatório para a sua rede organizada no amontoado de informações. O espaço cênico vira uma globosfera surrealista com suas distorções que não estão na tela, mas na teia de cena, na logorreia de frases desconexas que ao final se arranjam. Um sujeito de perna cortada e carregada a tiracolo. A loira de vestido longo e falas sentenciosas sobre artes e exposições. O infomaníaco com suas decifrações do sistema. Uma sapa vestida de noiva, vermelho dos pés à cabeça de grinaldas antenadas.

Em meio à aparentemente despretensão, na xepa de frutas decepadas, seus sumos a perfumar o ambiente, Apple Store & As Subfrutas da Estação destila humor parafraseado por imagens pinceladas na paródia. Serve-se da memória epistolar de dois nomes-chave da arte contemporânea brasileira, Lygia Clark e Hélio Oiticica. São excertos de cartas lançados ao liquidificador para abrir outras janelas que possam revelar outras faces do presente de fronteiras diluídas.

Há irreverência e certa iconoclastia emprestada dos artistas plásticos reverenciados nessa proposta que o grupo ambiciona configurar espetáculo futuramente. O que se vê condensado em cena curta é uma provocação bem fundamentada do tema abordado e sua complexidade natural, mitificada ainda sob a personalidade de Steve Jobs, o fetiche por tablets e afins. Resta muita dispersão no material disposto, mas o prenúncio de uma real conexão com o público já está lançado.

Existirmos: a que será que se destina?

2011-10-21T16:45:00.007-02:00

Luciano Draetta é Surubim
Foto: Lidia Ueta

Por Valmir Santos

A certa altura, o próprio Surubim confessa: a espectadora convida é melhor que o palhaço... Claro que Camila, a dita, não é, mas a dupla de palhaços do Circo Navegador deu muita sorte na sessão que abriu a noite de quinta-feira na Cena Breve, que de agora e até o final da Mostra acontece no Teatro Novelas Curitibanas. Também tirou o coelho da toca quando chamou o primeiro “convidado” da noite, o Joelson, clone de Bill Gates.

Ambos, Joelson e Camila, digníssimos representantes da plateia, amarraram involuntariamente o mote performativo para aquilo que a cena Om Co Tô? Quem Co Sô? Prom Co Vô? não conseguiu dizer a que veio em sua concepção artística. Pode-se indagar que os Draetta, Luciano e Gabriel, ou Suburim e Salsicha, este na base percussiva musical ao vivo, estavam ali para dar passagem, como o fazem nas rodas de rua ou picadeiros. Tanta previsibilidade, no entanto, espelha a necessidade de experimentar outras possibildiades - e um encontro como este que acompanhamos seria propício, porque pensado para grupos com estrada, como o Navegador, ou em seus primeiros passos, independe.

Palhaços profissionais como a citada dupla costumam se inscrever com recorrência nas mostras de cenas curtas pelo país, como em Belo Horizonte, no Galpão Cine Horto, ou em Manaus. Só que aos artistas de verve circense, inclinados à cultura popular, assim como aos dramáticos e pós-dramáticos, para resumir, faria bem sair do lugar-comum. Reivindicar espaço em 15 minutos de cena para refestelar no que já se domina de cor e salteado, isso é pouco. Não tem surpresa.

E há palhaços ou clowns em todos os recantos do país que trepam com convicção nesse fio de arame que é instaurar o riso limítrofe com o trágico, máscaras bamboleantes no olho, no rosto, no coração de quem abre o peito corajosamente. Longe de fórmulas, receitas, a perspectiva é a de permitir-se encarar de fato a crise existencial prenunciada no título da cena: onde estou, quem sou, onde vou...

Descascando Nelson

2011-10-21T16:10:00.010-02:00

Jorge Alencar (à direita) em Batata!
Foto: Patricia Lion

Por Valmir Santos

As flores de obsessão das peças e crônicas de Nelson Rodrigues são apanhadas sem intenções literais em Batata! O grupo Dimenti prefere colocar a exclamação em outros códigos: de como esses homens e mulheres passeiam pelo espaço cênico com partituras gestuais, movimentos e ações que procuram dizer o melodrama de outra maneira, usando outra língua.

A dramaturgia e a direção de Jorge Alencar é tributária da dança, campo pelo qual o núcleo transita desde o final dos anos 1990. Transcorrem quadros preenchidos com dispositivos repetitivos ou circulares, a envolver a escrita do giz no chão, a sonoridade da campainha e dos copos descartáveis, resultando um tabuleiro de sensações em que o texto fragmentado mais situa do que conduz.

Instiga como a encenação alude com inteligência a trechos de cena, como na Zulmira de A Falecida. E como esquadrinha limpeza cênica desde as rubricas na voz de um dos atores, espécie de alter ego de Nelson, passando por referências na metáfora de uma lousa em que se desenha e se apaga tal as cenas ou ainda no duplo sentido de frasco de ketchup. Fraquezas e cegueiras do desejo.

Para esse teatro-dança de situações, de estalos para mudanças de estados narrativos, a apresentação no Sesc da Esquina, na sequência da abertura da 7ª Mostra, soou em descompasso diante das proposições inventivas peculiares à pesquisa do Dimenti. Era flagrante um desnível na energia do elenco e a preocupação com as marcações. A sessão se arrastou. Em condições assim complica ainda mais quando os intérpretes são eles mesmos os contrarregras. Alencar se sobressai no septeto, denota mais experiência, repertório físico, graça e desenvoltura tragicômica, tudo que demanda flanar por entre os vãos das almas rodriguianas com as bem traçadas linhas dessa criação tão específica.

Abra-te

2011-10-21T15:46:00.011-02:00

O palhaço Wilson em Minúsculas Cenas
Foto: Patricia Lion

Por Valmir Santos

Sob nimbos-cúmulos, a Companhia dos Palhaços cometeu seu pequeno show de horrores, digo, humores na esquina do Teatro do Sesc. As escadarias da entrada, na soleira, foram improvisadas como palco na abertura desta sétima edição da Mostra. De uma empanada de pano preta saiam os comediantes caracterizados, seus objetos e números circenses em dupla ou solos.

As Minúsculas Cenas revelam a habilidade técnica de parte da equipe que está reunida desde 2004 sob o desejo de lidar com a arte dos palhaços. O roteiro apronta com o suspense cinematográfico, com o balé clássico, com as vicissitudes em geral. Há o senso de ridículo, há o olhar capcioso, há o carisma. E aqui há um questionamento para dividir: a sensação de que se está jogando para a plateia, para agradar sem corrompê-la no melhor sentido do picadeiro. Qual o lugar do contrapé?

Rafael Barreiro e Milene Dias, os palhaços Alípio e Sombrinha, ancoram as ações. Essa dupla é muito boa. Boa demais. Falta-lhe um cadinho de crueldade fundamental, explorar o lado escuro que a própria esquete do suicida “impotencial” ousa, via palhaço Wilson, ou Eliezer Vander Brock. Uma abertura “simpática” parece pouco para a Cena Breve da qual se espera terremotos mínimos, por assim dizer. A ideia da esquina, do “parlatório”, de ocupação do espaço público, da calçada, pressupunham mínimas revoluções também no diálogo com a tradição.